美学是什么读后感?美学是什么，读书笔记，首先看第一章，解释了美学的基本概念和历史，重点解释了康德的哲学体系，提出了美学在当代的任务和意义在于...
美学是什么读后感?
首先看第一章，解释了美学的基本概念和历史，重点解释了康德的哲学体系，提出了美学在当代的任务和意义在于“技术的高度发达导致了工具理性在日常生活中的霸权，美学则担当了反思现代性和恢复感性的作用”。——往小说，当代艺术的任务便在于此，使人回复为具有人性的人。
第二章重点在于中国美学的历史与特点，也指出了中国美学和西方美学的不同之处。值得注意的是，学习中国美学，不能不了解中国的哲学、社会学和民俗学（尤其是魏晋哲学），有这些的根基，很容易解释中国美学。但是这些观念中国艺术比西方当代艺术早意识到。所以，中国艺术不是落后，而是过早先进，结果没什么地方可以发挥，中国艺术家追崇西方艺术，却不知道自己追求的实质上源头要追溯到自身。另外我也注意到美学的阶级分野最后超越了地域分野——官方艺术、士人艺术和民间艺术的分野最后取代了南北艺术的分野。不是说南北艺术的分野最后被取代了，而是其分野模糊化了。
第三章则解释西方美学讨论的的两大问题——美的模仿原则和形式原则。西方文化的两大源头——希腊文化和希伯来文化，相辅而成，构成了西方文化的精神格局。以及广为人所知的优美与崇高的说法——涉及到日神——酒神精神。这一点，西方美学具有比中国美学更为完整、严密的格局。
第四章笔锋一转，写到了美学最重大的突破——杜尚的质疑，真正将艺术引入到美学之中，具有划时代的意义，由此催生了迥异于古典艺术的现代艺术。美学思想也有了长足的发展：“由此可以看到，美学上出现的种种不同的关于艺术的理论，实际上各有偏重和强调。模仿论关心作品反映世界的关系，修辞论关心作品如何打动读者，表现论集中在作品如何传达艺术家的情感和思想，而客观论则只关注艺术品本身的形式等等。不同理论所构成的起承转合过程，就是美学思想的历史。”并简单解释了艺术的概念。
第五章从心理学的角度解释了模仿和再现的关系，指出了现代、当代艺术与古典艺术的最大区别之处。
第六章从心理学的角度详细解释了艺术的情感与表现。没有良好的心理学基础，难以理解。周先生这章写得深入浅出，赞。
第七章很好理解，解释形式的涵义和功用。
如果说前面几章都是着眼在艺术品本身的话，那么第八章着眼在作为创造主体的艺术家，分析了艺术家的艺术创造的问题，深入研究的话是一定要有心理学的基础，触类旁通才能有所成果。
第九章写得很好，从欣赏者的角度出发，作了极其详细的阐述。目前关于欣赏著的美学的研究的确还只是一片空白。
第十章解释了艺术/美学的最主要的作用——诗意化生存。同时也对美学教育提出了不少值得借鉴的观点和思路，弦外之意，在于不要只看那么多人学艺术就觉得整个国家的面貌可追古希腊、盛唐之风韵，而是籍著美学教育（不等于艺术设计教育），培养一种悲天悯人的气度，深厚的美学修养的个体，以美学的精神看待日常生活，改变其平庸而乏味的状态，从而构建诗意的生存。——目前的艺术设计院校学习，应该不仅仅是学习设计技能，而是培养一种大家风范。
总而言之，这本书是了解美学的最好的入门书籍，读透这本书，你就算登堂入室了，接着你可以深入学习美学的历史，有必要的话甚至可以学习哲学和心理学。这样，汤老师所说的真正的艺术家而非制图员的人就是你了。
读书笔记：《美学是什么》
首先看第一章，解释了美学的基本概念和历史，重点解释了康德的哲学体系，提出了美学在当代的任务和意义在于“技术的高度发达导致了工具理性在日常生活中的霸权，美学则担当了反思现代性和恢复感性的作用”。——往小说，当代艺术的任务便在于此，使人回复为具有人性的人。
第二章重点在于中国美学的历史与特点，也指出了中国美学和西方美学的不同之处。值得注意的是，学习中国美学，不能不了解中国的哲学、社会学和民俗学（尤其是魏晋哲学），有这些的根基，很容易解释中国美学。但是这些观念中国艺术比西方当代艺术早意识到。所以，中国艺术不是落后，而是过早先进，结果没什么地方可以发挥，中国艺术家追崇西方艺术，却不知道自己追求的实质上源头要追溯到自身。另外我也注意到美学的阶级分野最后超越了地域分野——官方艺术、士人艺术和民间艺术的分野最后取代了南北艺术的分野。不是说南北艺术的分野最后被取代了，而是其分野模糊化了。
第三章则解释西方美学讨论的的两大问题——美的模仿原则和形式原则。西方文化的两大源头——希腊文化和希伯来文化，相辅而成，构成了西方文化的精神格局。以及广为人所知的优美与崇高的说法——涉及到日神——酒神精神。这一点，西方美学具有比中国美学更为完整、严密的格局。
第四章笔锋一转，写到了美学最重大的突破——杜尚的质疑，真正将艺术引入到美学之中，具有划时代的意义，由此催生了迥异于古典艺术的现代艺术。美学思想也有了长足的发展：“由此可以看到，美学上出现的种种不同的关于艺术的理论，实际上各有偏重和强调。模仿论关心作品反映世界的关系，修辞论关心作品如何打动读者，表现论集中在作品如何传达艺术家的情感和思想，而客观论则只关注艺术品本身的形式等等。不同理论所构成的起承转合过程，就是美学思想的历史。”并简单解释了艺术的概念。
第五章从心理学的角度解释了模仿和再现的关系，指出了现代、当代艺术与古典艺术的最大区别之处。
第六章从心理学的角度详细解释了艺术的情感与表现。没有良好的心理学基础，难以理解。周先生这章写得深入浅出，赞。
第七章很好理解，解释形式的涵义和功用。
如果说前面几章都是着眼在艺术品本身的话，那么第八章着眼在作为创造主体的艺术家，分析了艺术家的艺术创造的问题，深入研究的话是一定要有心理学的基础，触类旁通才能有所成果。
第九章写得很好，从欣赏者的角度出发，作了极其详细的阐述。目前关于欣赏著的美学的研究的确还只是一片空白。
第十章解释了艺术/美学的最主要的作用——诗意化生存。同时也对美学教育提出了不少值得借鉴的观点和思路，弦外之意，在于不要只看那么多人学艺术就觉得整个国家的面貌可追古希腊、盛唐之风韵，而是籍著美学教育（不等于艺术设计教育），培养一种悲天悯人的气度，深厚的美学修养的个体，以美学的精神看待日常生活，改变其平庸而乏味的状态，从而构建诗意的生存。——目前的艺术设计院校学习，应该不仅仅是学习设计技能，而是培养一种大家风范。
总而言之，这本书是了解美学的最好的入门书籍，读透这本书，你就算登堂入室了，接着你可以深入学习美学的历史，有必要的话甚至可以学习哲学和心理学。这样，汤老师所说的真正的艺术家而非制图员的人就是你了。
美学史读后感
[美学史读后感]在没有看这本书之前，我原以为美学只是简单的、单一的，美学史读后感。但是在我看过目录之后，我知道了美学是复杂的，它不仅严格按照朝代顺序，把人物、论著一一罗列，而且着重突出古典美学的发展轨迹，不同时代的审美趣味以及理论特色。这是一门复杂且严谨的学科，它要求人们必须严肃且不失美感地来读它、懂它。就像第一节的题目一样，它带着一种原始的美感。 作者在第一节刚开始就指出，礼，在远古，是原始仪式。刚读到这句话的时候，我顿了一下，有些不解，因为在我的印象中，礼对于我而言，仅仅是一种礼貌的表现方式，而在这里却说远在远古时期，礼就作为一种仪式而存在。仪式这个词，使我对礼这个字开始有了好奇。 王国维在《释礼》中这样写，古文字中的礼字，下面是个豆，也就是盛饮食的器皿。因而作者认为，用饮食器皿作为礼的象形，包含了其下四种意义：首先，中国之礼，一开始就与饮食有关。这一点让我尤其想不通，礼是如何与饮食联系在一起的？难道古人认为最初的礼在饮食方面最先体现出来。还是在饮食上的礼表现得更为直接，更为重要？其次，饮食在中国文化中具有特别重要的意义。这样一来，似乎对刚才的论点作了一些解释。《礼记?礼运》说：夫礼之初，始诸饮食，这里就不难看出它首先肯定了中国之礼起源于饮食，而饮食中所涉及到的食物和类型，如农作物、动物、饮料等，都是需要器皿来盛的。第三，讲了礼进行中的两大因素：饮食与舞乐。看来古人的礼，还是丰富多彩的，舞乐与饮食一样，占据了他们生活中相当重要的位置。第四，讲了礼的功能：致其敬于鬼神。饮食是礼的起源，把最日常的东西作为神圣的东西，现实了中国文化从一开始就具有实用性。饮食成了与神交往的最重要因素，成了神圣的礼的重要内容。 中国的艺术源远流长，灿烂辉煌，而从礼的开始上看，中国艺术一开始的辉煌似乎就要与盛饮食的器皿有关，而彩陶作为一种日常的生活用品，同时也是最神圣的礼器而成为远古礼的象征。之所以称彩陶是神圣的，一方面它的图案是多姿多彩的，是一种审美的欣赏，而另一方面，则是因为它本身所可有的一些深邃的思想观念，仅从这两方面，又有谁能与彩陶相提并论呢？从小我们就听过这样一句话：民以食为天，人们的生存本性就是与吃有关。而在《老子》中更是用烹调来比喻治国---治大国若烹小鲜，也说明了国家的安定与帝王的饮食有关。而从饮食与神的关系上我们发现饮食在中国文化中占有世界其他人设文化都无法相比的重要地位，而这样的一种力量也不断的向着各个领域扩张著。 之后作者又谈到：礼字的另一部分结构---玉。正像饮食在礼中的重要地位一样，玉在礼中也同样扮演着相当重要的角色。王国维《释礼》说：象二玉在器之形。古者行礼以玉。而玉在中国地位更是可以与彩陶相媲美，而玉比起饮食的器皿来说，我觉得玉有一个更加突出的优点，就是可以随身携带，它即在礼器之中，又在仪式之人的身上。而另一方面，众所周知，玉是一种有灵气的东西，与性灵有关，因而它又代表了更多涵义。也许这就是古人选字的妙处所在，两种奇妙的事物相叠，形成一种更奇妙的感觉。 从古至今，玉一直是中国文化中一道亮丽的风景，儒家以玉比德，诗人以玉喻心，俗人知玉为宝。而我们平时所说的冰清玉洁，一片冰心在玉壶也是它具有影响力的最直接体现。而更为重要的是，玉意味着中国人的道德理想和人格理想的纯洁性追求，中国的艺术，不论是文学，绘画，还是书法园林 都有一种：玉的韵味在其中，读后感《美学史读后感》。礼是一种礼仪，这种仪式构成了文化的核心，而且是一种最重要的实践活动。礼作为一个完整的整体，它包括四大因素：礼器、行礼之人、行礼地点及行礼过程。作为炎黄子孙，我们只有理解了礼......>>
康德美学读后感
康德提出物自体与现象之间的关系。我们看到的只是现象，我们所有的认知都是以现象为基础，至于物自体那不是我们人类认知的范畴。不知道叔本华、尼采、萨特等人是否在这个意义上认为世界从本质上就是虚无，人关于这个实际上一无所知，我们只是用我们的意识来虚构一个世界，犹如盲人摸象一般。麦克白讲，世界充满了喧哗与骚动，却没有意义。
康德几乎是现代虚无主义的先知。虽然他本想给我们划定一块领域来确保我们认识的可行性，以此来对抗休谟的怀疑主义。怀疑主义把我们从经验中得来的知识打碎，哲学面临着一个这个的挑战者，几乎 全面崩溃。康德提出了先验哲学，用人的先验知性、先验理性、先验判断力来为人类的知识做辩护。先验是指超越于我们的感性，并且在我们的经验之前就已经具备的。康德认为人类的知识之所以可能就在于，人由一些先验的能力作为原则。
先验判断力是比较特殊的一种判断力，和美关系比较密切的是反思判断力。反思判断力是把一种具体事物归摄到普遍的能力。世界纷繁杂多，人类了解世界的欲望需要这种能力 ，并且人也在经常使用这种能力，所以康德假定这种能力是存在的，虽然我们看不到它。康德把这种能力作为一种先天的原则来规定。我们发现康德的很多前提都是假设型的，或者反证法。邓小芒认为康德是个伟大的人类中心主义者，这点是很正确的，它所有的哲学实际上是围绕着人类的需要而展开。审美判断力作为反思判断力的一种，康德认为这种能力也是先天的，是先天地而立法的的。一般的判断力都要把具体事物连接到一个概念上，但是康德认为这个美这个概念没有具体的内容，只有抽象的形式。只要事物符合这种形式，就可以给人带来情感的愉快。美学教材上经常提的美是无目的的合目的性，我觉得就是在讲事物不是因为它有用，而被认为是美，也就是无目的。目的总是伴随着某种符合人的功用色彩。中国人说羊大为美，是从祭祀或者饮食的角度来讲的，所以中国的美学和西方的美学，从表面上看是同一个能指，但实际上所指不同。合目的性，这个目的是先天的，也就是审美判断力中对于形式的关注，这是先天的，是人们的经验层面无法认识的。贝尔后来提了一个观点叫，美是有意味的形式，我觉得他的观点很好，继承了康德关于形式方面的强调。不过康德始终是从审美的角度来谈美的，他没有直接谈美是
美学是什么读后感
宗白华先生美的态度即是超俗的，又是入世的。他在书中为我们展示了一个美的人生和宇宙，这里充满了亲切感与家园感。宇宙之大，无非虚实相生，美无处不在。
宗先生从一丘一壑一花一鸟中发现了“宇宙是无尽的生命，丰富的动力学”，也发现了它是“平整的秩序，圆满的和谐”。
英国诗人勃莱克的“一花一世界，一沙一天国”就是这种描述的最景致的诗句。没有一种以天地为庐而又悠悠自足的博大情怀，没有一种能澄情以观道的空明澄澈。新鲜活泼的心境，是不可能发现这种生动与清和的美的统一。
而宗白华先生似乎轻而易举的领悟到了美的神韵，如在拈花微笑间顿悟了一切声光，色彩和形象中微妙精深的律动和气韵。这种境界是“一内在自足的境界，无待于外而自成意义丰富的小宇宙，启示着宇宙人生的更深的一层真实。”
它不是从无边的空间指向无限，而是从无边回到万物，返回自身，回归“小宇宙”。它属于有限之中，又让人从有限中发现永恒。可以说，宗先生中的美学思想已然把中国传统的哲学、美学——儒佛道三合而一了。
在阅读中思考，我感到书中的每一篇文章皆是一颗珍奇的宝石，它们折射着理性与感性的光芒。或论诗画与书法，或论音乐与舞蹈，或论建筑与雕塑，自然与艺术的乃至整个人生宇宙之美的事物。凡宗先生所论及的，他总在直观的把握后，欣赏它，赞美它，评判它。他以散文的抒情方式，以诗人灵感闪现时的思维方式，表达自己精辟的美学见解。
如他在评罗丹的雕刻时这样写到：“我这次看到了罗丹的雕刻，就是看到了一种光明……你看那自然何等调和，何等完满，何等神秘不可思议！这大自然的全体不就是一个理性的数学，情绪的音乐，意志的波澜么？一言以蔽之，我感到这宇宙的图画是个大优美精神的表现。”读了这样的文字，谁会以为他是在评价艺术作品？而又有谁能说这不是在评艺术作品呢？
清代王船山在论诗时说：“以追光蹑影之笔，写通天尽人之怀，是诗家正法眼藏。”好一个“以追光蹑影之笔，写通天尽人之怀”！这正是可用来总结《美学散步》中所体现的宗先生的美学追求。其篇幅短小，其笔墨简淡，而微言大义昭著。“他是真理的探寻者，他是美学的醉梦者，他是精神和肉体的劳动者。”宗先生对罗丹的评语又可恰如其分的用来评价他自己。
艺术的欣赏就是对美的发现和感情，那么美在哪里呢？美就在你的心中。画家诗人创造的美，就是他们心灵创造的意象，独辟的灵魂，那么什么是意境呢？因人于世界接触关系层次的不同而有不同的表现。
或是为满足生理的物质的需要而有功利的境界；或是因人群公共互爱的关系而有伦理的境界；或是因人群组合互制的关系而有政治的境界；或是因研究物理追求智慧而有的学术境界；或是因欲近本人归真，冥合天人而有的宗教境界。
功利境界主于利，伦理境界主于爱，政治境界主于权，学术境界主于真，宗教境界主于神。化实景而为虚境，创形象而为象征，使人类最高的心灵具体化，肉身化。
对艺术的投入，就有美感的诞生；对艺术的展示就有美丽的缩放！或许一切美的光都来自心灵的源泉。
一个意韵，我想就应该是一个情与景的结晶，深入了才可得镜中花，水中月。散步于美学中，亘古不变的——芳香泗溢！
《美学》读后感
当品味完一本著作后，想必你有不少可以分享的东西，让我们好好写份读后感，把你的收获和感想记录下来吧。那么我们如何去写读后感呢？以下是我收集整理的《美学》读后感，欢迎阅读与收藏。
《美学》读后感1黑格尔是德国古典哲学和美学的集大成者，他的《美学》是他的学生根据他在海德堡大学的讲课记录和教学提纲整理而成的，也是他的艺术哲学思想的集中体现。
《美学》第一卷中一共有两个重要观点：“美是理念的感性显现”及“艺术美高于自然美”，笔者想从这两个角度谈谈自己的看法。
首先黑格尔给美所下定义为：“美是理念的感性显现”。这里的理念，显然和苏格拉底、柏拉图的理念（idea）不是完全相同的概念：在古希腊哲学概念中，所谓理念是指人的认知对事物共相的认知，是建立在人能够正确认识事物的基础之上的，而在黑格尔的哲学体系中具有“绝对精神”和“绝对理念”的概念，在他看来美源自“绝对理念”，使美具有了客观精神性。“绝对理念”的发展是必然的，美的产生、发展也就是必然的。
马克思主义认为所谓“绝对理念”其本质便是客观唯心主义思想，承认在人的认识能力之上具有一种类似于上帝般的超越人类认识的，不动不灭的绝对规律，而这种绝对规律受到人的认知感受所形成的审美愉悦，便是“理念的感性显现”，也便就是美。
相比较车尔尼雪夫斯基“美是生活”、古希腊“真善美”和中国传统儒家“美是仁”的种种观点，我们可以发现，黑格尔在探寻所谓什么是美的时候，不再借助于伦理学范畴的概念，把美提炼出成了高于生活的生活的产物。
将美感的源头剥离出生活，才有可能不受污染的去分析什么才是美的真正本质，不然当我们看俄国人的美学，就会不由自主地将美和生活联系在一起，简单地认为符合生活样式的就是美的，反之则为不美。看古希腊哲学和儒家哲学则会随意地将伦理学的道德判断“善”和“仁”凌驾在“美本身”之上，将一种审美判断异化为道德判断。
黑格尔正是意识到了这种危险，才会去将美与客观可认知的事物相剥离，从而产生了一种凌驾于各种伦理道德、各种认识局限之上的美学感受。这样子去研究“美本身”，自然可以不受干扰和污染，但是也显然会让对美的研究陷入误区。
前文说了，黑格尔认为美源于“绝对理念”，因此天然存在，不动不灭。由此产生的美学定义，其实涉及了“美本身”的关键性课题，即“美是客观存在还是主观感受”，黑格尔显然选择将美定义成了一种绝对存在的客观真理——具有永恒性的规律，而通过人的感性浮现。
简单地分析就不难发现，黑格尔其实是将美定义成为了美的规律，而一旦将美定义成了某种绝对存在的规律的时候，我们受到本身认知能力的局限性，就不可能去完整地正确地去表述美到底是什么。
就比如柏拉图在他的《大希庇阿斯篇》中所做的那样，无论我们将美作何种解释，都是具有缺陷性的探讨，所以柏拉图在可以在《大希庇阿斯篇》通过无数个设问去一步一步地推断出“美不是什么”，但是究柏拉图一生，究其西方哲学史千年的思考，也无法得出“美的本质到底是什么”的答案。
同样去看黑格尔的美学，我们一样可以发现，黑格尔在论述“美本身”的概念时，和他之后对于美的本质探讨，具有根本性的矛盾。
黑格尔做出“美是理念的感性显现”之判断最重要的前提在于，黑格尔认为美是绝对存在的，这也就以为在，黑格尔认为美在本体论上是具有客观实在性的，这也是世界美学史上最重要的探讨之一——“美是主观念感受还是客观存在”。
但是在谈及这个判断的时候，我们可以发现黑格尔本身便是矛盾的，他一方面认为美是一种脱离了人的判断能力之外的，由“绝对理念”支配的凌驾于所以的主观判断之外的绝对规律，但是他一方面又承认这个世界上具有两种被人类认知的不同美，一种是人类创造认识的艺术美，一种便是自然之美。
因为我们发现如果按照黑格尔地“绝对精神”去理解，我们理应会在所有美的事物中都去发现一个共同地美学的本质，就像宋明理学的“格物致知”一样，只要我们不断地去找寻事物的共相，不断地进行删选，在最后我们终会发现那个所有美丽的事物都具有的共同本质，这就是“美本身”。
但是这种思维模式最危险地地方在于，所谓“美本身”生长和孕育的母体便是凌驾于人类认知能力之上的“绝对精神”和“绝对理念”，这也就意味着无论如何我们都只能不断地接近对“美本身”的认知，却永远也达至不了真理的彼岸。这点在认识论上本身便是可怕的不可知论之源头，正如休谟可以否定因果联系的存在一样，这样去认识美的方式最终也必然会导向“美不可能被认知”或者“美本质不存在”地虚无主义认识观念。作为一本研究美学的著作，其一开始便埋下了这样的美学研究初衷，显然是危险的。
其次，黑格尔美学提出地及其重要的一点观点便是“艺术美高于自然美”。在此，黑格尔认为因为艺术美是由人类创造并认知的，附加有人类情感和认识活动地价值，所以艺术美高于自然美，黑格尔甚至在卷首还提出了自然美不具有和“艺术美”相同价值的观点。
但是仅从黑格尔自身对“美本身”的阐发我们就会发现他的这种对艺术美的过度推崇和对自然美的过度贬斥是不具有理性价值的。
首先我们从黑格尔的自身理解出发，前文说过黑格尔认为美的本质是“理念的感性显现”，这句话其实表明了无论去研究哪种美的现象，无论去解释何种的美感，都是要从人的认知能力出发，所以从人的认知能力而言，人在认识艺术品和自然界的鬼斧神工的时候，其实两者都具有相同的地位，即谁更能让人获得“精神的愉悦”（康德《判断力批判》）。
换言之，在被认知的角度上，所谓艺术美和自然美其实都处在同一个起跑线上，不同地艺术作品和不同地自然美景在人的认知中都一样局限于人对美的感受，所以艺术品可以巧夺天工，自然界一样可以做到“天地有大美”。
所以我们可以发现，所谓对于美的认可，黑格尔之所以认为“艺术美高于自然美”的唯一可成立的论据在于他认为“艺术美”源于人的创造和发展，而自然美缺乏了人为的力量和色彩。
听起来似乎是这么一回事，仔细一推敲就可以发现，黑格尔自己都认为美的本质是“理念的感念显现”，所谓美的本质本身便是客观存在的不变规律，如果按照黑格尔自己的观念，显然自然美会比人类创造地艺术美更贴近美的本质规律，从而符合对美的判断。
但是黑格尔在判断“什么更美”这个问题上的时候偏偏却换了一个比较的标准，不再从美的本质判断出发了，反而使用了何者更能让人获得“美感的愉悦”的角度出发，这样的判断标准显然和前者对“美本身”的超验判断是相矛盾的。
但是即使退一步，我们从人的认识和美感愉悦去作为判断标准去看待“什么是美”这个问题，我们还是发现黑格尔的判断是不成立。因为黑格尔的观点其实很简单，认为艺术美是由人创造，所以艺术美更贴近人的审美。
首先艺术的创作未必创作地便是美感，以贾平凹的《丑石》一文为例，我们会发现艺术家在创作的时候未必是以审美为基本判断的，审丑判断同样是艺术判断的重要表达形式。
退一步说，即是我们理解到黑格尔所处的时代，也许未必有审丑为主题的艺术创作，我们去比较自然美和艺术美。我们可以发现人类在寻找艺术美感的时候，其实是脱离不了自然美的影响。
就比如达芬奇地蒙娜丽莎的微笑之所以美妙是因为他在前期对人体的解剖做了大量地分析和研究，不合乎人体自然规律和透视规律地人体绘画早在启蒙运动便被淹没在了历史的洪流之中。再比如黄金分割地比例本身便是源自于自然界之中的固有规律，所以从某种角度而言，所谓的艺术美，其创造地规律本身便是来自于自然的美学规律。
所以我们可以发现，从某种角度而言，自然美可以说是艺术美的母亲和营养的源泉，黑格尔批判自然美，推崇自然美，一方面和他自己对于美学本体论的认识相矛盾，另一方面也体现出了他对于自然美的认知局限。
总的来说，黑格尔的《美学》从美学史地宏观角度探研了美学发展的伟大历史宏图，也开创了系统研究美学的先河，但是从对美学本质地分析显然是不到位而有所欠缺的。
《美学》读后感2德国客观唯心主义哲学家弗里德里希·黑格尔（1770——1831），少年时代酷爱古希腊文化与莎士比亚，受到柏拉图、荷马、苏格拉底亚里士多德著作的深刻影响，一生沉浸于思考与写作。
黑格尔以一种进步的历史观点，对人类艺术哲学以三大类型分野，从史前早期艺术到19世纪早期他生活时代的人类艺术，象征型、古典型、浪漫型：包括诗、音乐绘画、雕刻、建筑各类专门艺术，象征型艺术是主体对要表达的理念没有清晰界定，古典型艺术从象征型发展而来，是主体的理念完全清晰是最完美的艺术。浪漫型艺术在古典型台阶上，更关心崇高的灵魂本身。黑格尔并没有自己动笔写作这部《美学》，他只是在大学讲坛上讲授这门课程。他的历届学生把听课笔记聚集一起，编辑成了《美学讲演录》。
一、美学是什么
人的精神包含了神性，艺术家寻找的便是这种神性。艺术作品之美，乃是神性之美。结构主义人类学家历维、施特劳斯说：“艺术家的作品，可能是人类唯一正确的知识”。美学作为一个学科，起初是哲学的一个分支，希腊文的“克里斯托惕克”，在希腊语中即“美”，艺术是什么？艺术要实现什么？艺术与人类关系？艺术作品怎样分析？所以我们也把美学这门学科称为“艺术哲学”。
艺术作品表现的是人的精神价值，它抓住时间、个别人物、行动以及其转变的旨趣来实现这一目的。它将原本的现实世界改造成为更人化的世界突显出来。世界在艺术中变得更加纯粹，更加鲜明。一切心灵的东西都要高于自然。艺术可以表现神圣的理想，这却是任何自然事物不能做到的。
从心灵所创造的东西与从自然所产生和形成的东西，如果两者都包含神的光荣，那么神在前者比在后者的光荣更高。神就是心灵，只有在人身上，神性自由才是灵动的。人类的艺术，就是人模仿神制造的自然。
二、艺术的目的
人们在创造艺术时，抱有什么目的。普遍的见解有三种：“模仿自然说”、“激发情绪说”、“理想与普遍力量说”。
模仿是完全按照本来的自然形状复写一遍，这是一种复制。艺术在利用材料方面总是有限的，只能把现实的外形提供给某一种感官。靠单纯的模仿，艺术总不能和自然竞争。模仿所产生的乐趣总是有限的。对于人来说，从自己所创造的东西得到的乐趣，就更适合于人的身份。就这个意义说，每一件微细的技术品的发明在价值上要比模仿高。“激发情绪说”强调艺术作用在于唤醒，凡是可以让人内心感到或震撼的东西，凡是可以满足人的.情感需要的思想和观念，总是能够激发出人心中最深处的潜在力量，这就是艺术激发功能要达到的目标。一切情感的激发，心灵对每种生活内容的体念，通过一种只是幻象的外在对象来引起这一切内在的激动，就是艺术所特有的巨大威力。“理想与普遍力量说”，常常有这样的情形：一位艺术家，他内心感到痛苦时，他就开始艺术行为，用图像或意象去表达，把自己的痛苦化为艺术的形象。这是一种眼泪中的安慰。艺术也能使人获得道德上的教益。贺拉斯说：“诗人既给人以教益也给人娱乐。”艺术要求越高，需采用的道德内容越多。道德也是一个艺术标准。艺术是各民族最早的教师。
三、内容决定形式
没有无内容的艺术，形式是内容的容器。艺术作品的缺陷并不总是技巧欠圆熟，形式的缺陷总是源于内容的缺陷。愈是优美的艺术作品就愈是具有内容和思想的内在深刻和真实。在艺术作品里，对自然的改形，并不是艺术家技巧上的生疏和不熟练，而是艺术家有意为之，是艺术家意识里的内容和要求所决定的。
艺术的真正职责在于帮助人认识到心灵的最高旨趣，美的艺术不能在想象的无拘无碍境界飘摇不定，因为心灵的旨趣决定了艺术内容的基础，尽管形式和形状可以千变万化。
一件艺术品，在技巧方面已十分完美，并不能说它就是完美的艺术。完美的艺术，是理念和表现的结合，不仅有理念，表现理念的形象也是真实的、完美的，包含这两者才是最高的艺术品。艺术家为一个理念，必须寻找到具体的形象，形象是显现理念的桥梁。具体的理念，本身就是使自己显现为自由形象的过程，只有真正具体的理念才能产生真正的形象，这两方面的吻合就是理想的艺术。
四、艺术的类型
艺术是表达理念的。人类为实现各种理念，已发展了各种艺术类型，分为象征型艺术、古典型艺术与浪漫型艺术三种。
理念是具体的统一体，只有通过理念的各个特殊方面的伸展与和解，才能进入艺术的意识，由于这种发展，艺术美才有了特殊的阶段和类型。象征型艺术在艺术的原始阶段，主要代表是东方艺术；古典型艺术代表艺术发展成熟的阶段，主要代表是希腊艺术。
艺术的这三种类型，是内容与形象之间的不同关系，理念与实现理念的不同方式。理念在开始阶段，自身还不确定、不明确，抽象理念所取的形象是外在于理念本身的自然形态的感性材料，也就是说感性材料占绝对上风。自然材料还保留着它的原始风貌，改变不大。这种类型称为象征型艺术类型。古典型艺术，在理念和它的材料上达到高度统一。理念找到了最适合它的材料，并自由、妥当地融入了材料中，是自由完满的协调。浪漫型艺术把理念与现实的完美再次打破，取消了古典型中理念与材料那种不可分裂的统一性。为了更自由的心灵表达，理念从它的外在因素的协调统一中退出。
五、象征型艺术
理念并不是一开始就清晰明了的，而是相反。由于理念本身就还没有理想所要求的个别性，它的抽象性和片面性使得形象在外表上离奇而不完美，说是理念的表现，只是一种还处于远距离的尝试，一种形式上的挣扎与希求。理念还没有找到真正适合他的形式。这种艺术，称为象征艺术。
理念并没能真正吻合人感性材料，自然对象更多的是保留它原来的样子而没有改变，对象似乎很不情愿地要担负起表现理念的责任，尽一种义务。理念和对象在这种情形下形成一种抽象的属性关系，例如用狮子象征强壮。
理念发现它们都不太适合，就把自然形状和实在现象夸张成为不确定不匀称的东西，企图用形象的散漫、庞大和堂皇富丽来提高到理念的地位。上述情形在东方原始艺术里的泛神主义，就是明显的实证。象征型艺术以不完善为终结。
六、古典型艺术
古典型艺术，处理理念是妥贴的，它找到了理念应该寄于的居所。古典型艺术，是人类第一次完美的艺术，理想找到了现实的表达通道。古典型艺术就理念而言，它本身是具体的、丰富的。心灵的东西只有到了清晰的程度，才到了这一阶段。理念要在自然中择优寻找最适合自己的东西，把心灵性的东西表现出来，以为自观，只有经过心灵的事物才能圆满地显现于感官。
在古典型艺术里，人体形状的出现，不能仅看成材料，更是心灵的外在存在形式，同时兼备自然形态的存在。
七、浪漫型艺术
浪漫型艺术把理念与现实完满的统一再度打破，它在较高的阶段上，再回到理念与现实的差异与对立，古典型艺术达到了最高度的优美，尽了艺术感性表现所尽之能事。古典型艺术的局限性在于，将一个具有无限性质的主体，交付给一个有限的世界。
浪漫型艺术取消了古典型艺术的那种不可分裂的统一，在内容和表现方式的范围上超出了古典型艺术。浪漫型艺术保留艺术的形式，
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