《西方现代艺术史》是是由周宏智编写的艺术理论方向的著作，主要介绍了19世纪中期以来的各种艺术流派。20世纪80年代以后《西方现代艺术史》才真正进入中国专业人士的视野。《西方现代艺术史》以简短的篇幅介绍了19世纪中期以来的各种艺术流派，如印象派、后印象派、野兽派等。
    西方的思维习惯，是属于一种直线逻辑，不像东方那种强调自然和谐，贯通的精神。印象派: 印象派画家将全部的热情和注意力投注到对大自然的直接体验上，投注到对光和色彩客观真是的研究与把握上。直觉代替了缜密的推敲，色彩绝对优先于形体和素描。以牺牲严谨造型为代价。审视的重点从内容和形象转移到光线和色彩上去。古典艺术的造型目的就在于轮廓，而印象派绘画却否定了轮廓。传统绘画观念中，形式首先要服务于内容与主题的表达，无论是古典主义、浪漫主义还是现实主义。不论是西方还是东方的艺术史，都存在着这样或那样的差距。

    我觉得差别在于：东方的很多事物大多需要个人的领悟和意会，在绝大程度上，万人中也不见得有一人能够这样去意会得道。所以有了混乱的哲学想法思维，有时真得觉得那些想法很奇怪。而在当事人的心中便会产生，居高临下的优越思维，这是一种灵魂优越感。

第一章 绪论
世界现代设计史的全面梗概：这段设计史，是同这一时期的政治格局、经济发展状况、思想文化意识及人们的审美价值取向等有机联系在一起的；该时期设计艺术种类的变化、设计范畴的扩大、设计在社会发展中的地位和作用等方面，都不可避免地受到这一时期政治、经济、思想与文化的制约和影响。然而，作为世界现代设计史，在其叙述过程中，又必须把它从整个该时期的历史上独立出来，以便于考察这一时期设计发展的线索、各种内涵、各种事件、各种人物、各种派别、各种风格特征兴衰的内在规律的全过程，而略去这一时期的政治格局变化、政治事件、经济制度、经济政策以及思想文化等方面的论述。这样，就容易造成这一时期的设计发展史同这一时期政治史、经济史、思想文化史等方面彼此孤立、互不相关的错误印象。因此，为了便于考察这一时期设计史同这一时期与设计相关的其它历史之间的相互联系，既体现出部分与整体之间的关系，又避免设计史与这些方面的过多重合而造成的脉络混乱，所以有必要先以绪论的形式阐述以下几个问题，一、关于现代设计史的起始时间；二、设计与经济的关系；三、设计与艺术、科学的关系；四、现代设计史的形态范畴及划分。
第一节 关于现代设计史的起始时间
现代派艺术是从19世纪末、20世纪初发展起来的一场艺术革命，其对象是陈陈相因的传统美术。
现代设计革命的产生于19世纪末。许多艺术史论家在谈到现代设计的起源时，总想找出一个确切的时间，因而意见不一。在笔者看来，企图找一个确切的时间作为一场设计革命的起源是不现实的。因为，没有一个确切的时间，能够让我们听起来更信服。但是每一种说法似乎又都有道理。有的学者认为现代设计起源于1863年，因为这一年在巴黎举行了“被否决的沙龙”，美术创作新风格就此出现，而艺术与设计又如一对孪生兄弟；有的学者认为现代设计诞生于19世纪六十年代后半期的五年，因为那五年孕育着未来……如此种种，聚讼纷纭。
一、工业革命对设计的唤呼
1、18世纪60年代到19世纪初，欧洲各国先后进入了或者完成了工业革命。这场革命不仅标志着西方从封建社会进入到了资本主义社会，而且引发了社会生产、生活方式及思想观念的巨大变革。
2、在社会经济、生活和思想文化发生巨大变化的情况下，给人类对于物质资料生产的观念巨大影响。其中最大的莫过于日新月异的发明。而“发明”一词在某种意义上意味着一种新的设计式工艺，没有活跃的思维是不可能有所发明的，一切发明都是一种巧妙、合理和成功的设计。
二、发明创造与现代设计艺术
1、发明创造：18世纪后半叶的发明从冶金技术革命，到高炉，再到无碳炼钢法、平炉炼钢法，大大提高了冶金技术和水平。使制造业的动力结构发生变化，提高了生产效率。
19世纪末，科学发明产生的影响是令人难以想象的。1877年，照相摄影的发明深刻地影响了艺术文化界，但不久以后，爱迪生发明了留声机，又一次使文化艺术最急速地向前发展。
2、现代设计艺术：19世纪末期至20世纪前十年里，科学技术的更新速度连带了文化的更新，深刻地影响了现代设计艺术的产生和发展。接连不断的发明所带来巨大变化的同时，也发生了许多人们不愿发生和面临的诸多问题得不到妥善的处理。这些问题固然有许多是社会制度、阶级关系造成的，但是，也有一系列问题是与生产过程、产品功能、规格标准，以及外观形态的设计相关的，这就要求整个社会，特别是物质产品的设计者，生产组织者，乃至整个国民，具有一种适合新时代、新环境的设计思想和意识。而新的生产工具、材料、能源、动力为探索进行这个新的设计奠定了物质、技术基础。
三、艺术风格流派转变的影响
1、艺术风格流派的转变是指现代派美术的产生。而现代派美术产生，是艺术家力图在艺术上摆脱传统的写实主义手法束缚的结果。
19世纪上半期，以安格尔为首的学院派已经体现了写实主义的危机。浪漫主义和现实主义艺不断对学院派艺术进行冲击。尽管印象主义尚有自然主义之嫌，但是他们对色、光的探索是建立在当时对色和光科学研究和发现的基础之上的，也是当时科学技术发展以后，对于艺术影响的一种必然结果。新的社会情势下，艺术家已不满足于传统，从观念上已经对于传统艺术动摇了。
美术与设计虽然有着本质的区别，但两者之间也有着不少的联系，特别是在造型与装饰的形式语言方面。也正是二者之间的这种联系，使现代派美术影响到了设计，设计从传统走向现代。
2、总之，导致设计从传统走向现代，是诸多因素综合作用的结果。而在19世纪末，确实出现了许多闪光的时间，发生了一连串与人类生存、生活方式变革的重大事项，作为创造生产、生活之美的设计，在这样的年代发生变革自然也就在情理之中，正因为如此，所以我们将现代设计的滥觞定在19世纪末，即英国工艺美术运动发生的前夜。
第二节 设计与经济的关系
设计界所推崇的设计是为明天的生产而准备的造型计划。经济的核心是物质资料的生产，而设计的价值又主要在于经济。这就是说，经济和设计之间存着天然而内在联系。
无论是经济还是设计，作为个体来说，本身就有着深奥的学问，而要从经济的角度去认识设计，从设计的角度去为经济，则更是一个复杂的体系。这里，我们试图从设计与生产、设计与技术、设计与市场和设计与消费四个方面，分析设计与经济的天然而内在的联系，说明现代设计史的发展，对于经济的意义。
一、设计与生产
1、生产是经济的核心，是把自然的人力和物力转化成社会必须的物质资料的关键环节。如果说经济是基础，那生产就是这个基础的基础。设计是先于生产的，是商品生产链条上的第一环。工业革命以后，随着生产方式的变化，设计在大批量生产的企业中从生产线上分离出来，但作为生产结构的第一环概念从来没有动摇过。
2、设计与生产分离，无论是对设计环节，还是对生产环节，都是一种便利，或者说进步。正是这种便利或进步，才促进了二者的快速和更好的发展。然而，这中间也经历了一个使设计和产品生产相脱离的过程，一方面，设计师在以何形式风格设计面前无所适从；另一方面，为满足机械化生产的需要，使设计者的创意思维受到限制。正因为如此，所以工业革命以后很长一段时期，其产品以缺少必要装饰和造型丑陋著称，没有受消费者的认同，甚至在当时设计界存在要不要回到手工艺生产时代的设计方式去的争论。争论的结果，终于引发了现代设计的开始。
3、设计需要生产是生存性的、价值性的和成就性的。
二、设计与技术
1、按照一般的理解，把知识、经验、教育和训练等转化成人的能力，该能力就被称为技术。
技术就是力量，就是生产和经济的力量，就是国家实力的重要组成部分。
2、技术从何而来？怎样才能提高技术？改进技术？这些都离不开设计。如属于运载技术的汽车，它的发明、发展、成熟以及开发出的广泛的用途，全都离不开设计。从汽车的发明发展历史可以看出，设计参与了技术发明和发展的全过程，它本身就是一门复合型的技术，又是各类技术的应用媒介。为了生产它适应各类技术，为了创新完善用各类技术，并成为创造最新技术的排头兵。因此在某种意义上说：设计就是力量，就是生产和经济的力量，就是技术产业化、商品化和市场化的必由之路，当然也是国家实力的重要组成部分。世界现代设计史上，各个国家经济实力的深升降，实质是各国设计水平的反映和体现。
三、设计与市场
1、在现代经济活动中，购买商品、劳动力、资金等的一方被称之为买方，而出卖这些东西的一方则被称为卖方，卖买相互作用，使交换成为可能，这样的人员、环境、行为、性质的交换都被称之为市场，货物买卖是商品市场，路边临时交换称之为路边市场等。设计也需要市场，特别是设计脱离企业，与生产分离，成为一个相对独立的行业以后，其所面对的是为多家企业服务，如果作出的设计没有人采用，被采用投入生产的设计的产品没有人买，设计家或设计组织的服务就成了一句空话，设计师的生存就受到威胁，设计的发展也就无从谈起。
2、工业革命对社会经济最大影响莫过于商品生产的快速发展，以及赖以存在的社会经济关系的固化。在市场经济条件下，设计主要的方面是设计市场，促使市场需要设计，购买设计作品和服务，让设计贯穿市场的始终，成为市场不可分离的一部分。
现代设计发展史上，为市场服务不仅体现在设计的各个方面和整个的发展过程中，而且大凡设计发达的国度，成果出众的设计组织，乃至设计师，都是与市场紧密结合的典范。

        看着《外国美术史》，感受着书中鲜活的生命和多彩的画卷，思绪万千。闭上眼睛，想象着自己就站在卢浮宫三宝面前：胜利女神雕像、断臂维纳斯和蒙娜丽莎。很是激动，当然谁都知道，它们是卢浮宫的镇宫之宝。人们最早的绘画作品出现在法国和西班牙洞窟中勾勒伟大的艺术品不仅仅是美学欣赏，也是人类技艺和聪明才智的结晶。它帮助我们开拓和理解我们人类自身的天性，美术术史是人类发展的最基本的一部分。外国美术史包罗广泛，包括绘画、壁画、雕刻、装饰、建筑等。还有它的发展过程，发展规律；不同流派的形成,历史变化和特色特点；各个历史时期西方美术的风格演变及深层的文化，历史，人文，美术产生根源。

      本书其阃所经悠民迭宕的古代希腊与罗马美术，中世纪的艺术样式文艺复兴的绘画雕塑与建筑，近代不同国度与地域的美术流派和现代主义美术等等。其中令我印象深刻的就是文艺复兴时期的两大天才——达芬奇与米开朗基罗，他们的生平种种，让我们了解了天才成功的不易与艰辛。时代造就了他们，他们也成就了时代，他们值得我们现在每一个学生去学习，为之理想而奋斗，因为他们告诉我们，艺术是门伟大的科学，终求一生,值得为之奉献，为之探索。

通过读外国美术史，让我更加深刻的了解到了外国美术的宽广宏伟。我不仅要了解每个不同时代的美术，同时也要注意每个时代的文学，了解这个时代的风土人情,历史政治，科学成就。因为美术的发展和历史的发展紧密联系着。这样的学习就使美术知识变的立体而丰满，从而更高视野和整体的把握了每个不同时代的美术。不仅提高了我对外美史的认识和理解，运用，还和其他专业科目融会贯通，增强了我的整体艺术素质。这也让我深刻的感受到了，真正好的艺术不一定是模仿得最像的，而是要有自己的个性、自己的思想、自己的理解。

　　《美学散步》是一本不厚、很小的书籍，可是里面的思想却熠熠发光。《美学散步》是宗白华先生的代表作，也是他生前惟一一部结集出版的美学著作。下面是我为你准备的美学散步读书笔记3篇，希望对你有帮助！

　　 篇一：美学散步读书笔记

　　经老师介绍，我开始阅读宗白华老师的《美学散步》。

　　《美学散步》这本书，是宗白华老师一生中为数不多的著述之一，里面汇集了他一生最精要的美学篇章。据了解，这也是他生前唯一的一部美学著作。作为我国现代美学的先行者和开拓者，宗白华老师用他细腻的笔锋，联系古今中外，娓娓道来，向我们讲述了一个不一样的境界。

　　这本书通过分析诗与画的分界，分析中国与希腊艺术中美的体现，在轻松的氛围中，讲述了“美”的含义及体现。这是一本讲述美学的专著，在我看来，这也是一本古今中外经典文学的摘录集，更是一本中外艺术展集，一本哲学专著。记得有一次，我向一位朋友提到《美学散步》，他很快地问：“是不是宗白华的书？我们在上山水美术鉴赏时老师经常讲到它。”是的，在这本书里，宗白华老师向我们介绍了很多中国的山水名画，在这些名画的介绍与讲解中，告诉我们美的所在。

　　读完整本书，感觉就是在美学与文学中，在中外的艺术中慢慢地散步了一回，品味着散步声中留下的道道灵光。在书中，宗白华老师说，诗和春都是美的化身：一是艺术的美，一是自然的美。他说，文艺站在道德和哲学旁边能并立而无愧。美，并不等同于我们平时所说的美丽，美，是一种抽象。它需要通过艺术的雕琢来体现，却又不仅孕育在艺术的雕琢之中，宗白华老师在书中讲到：“最高的美，应该是本色的美。”他又说：“一切美的光是来自心灵的源泉，没有心灵的映射，是无所谓美的。”

　　美，本来就是蕴含在每个人的心灵里，“心灵美才是真正的美”，这样的话，从小学的时候就一直在讲，可是，当人们的年龄逐渐增长，在世俗中逐渐被污染，人也变得越来越现实，越来越肤浅。很多人，会把他们认为的所谓的“美”外化，他们可以一掷千金，用在美容，用在购买各种化妆品上，却不愿把手上的钱捐献给真正需要他们的人们手上，这是一种怎样的悲哀？也有很多人，把“学雷锋”当成一种作秀，只在领导出现的地方“学雷锋”，这种为了领导而做好事的行为，又是多么可耻？他们只看到外在的美，却忽略了真正的美，忽略了心灵的美，忽略了很多更加重要的东西。

　　本书中讲到的美，是一种中国传统式的美，是一种含蓄的美，就像中国的水墨画，它会把画的精神，作画者所要表达的含义蕴含在画中；又如诗人，他们不会把自己的想法直白的表达在诗句中，而需要人们自己去揣摩，这样才能使美富含“厚度”，而不会像西方的油画摄影式的画风一样，什么都要追求与实物一模一样，只能让人一眼看穿。在当今社会中，很多人都缺乏一种含蓄，过于直白地表达自己，这在做人处事中，只会让自己的交往处于劣势，得不到更多的友谊，而且，过于直接的表述，在一定的场合只会让自己变得肤浅。在这里，我并不是说直率不好，直率的人，是可爱的'。但是，在一定的场合，也应学会含蓄，才能体现我们本身具有的素质，才能体现我们的“美”。

　　在书中，美还体现在一种“空白”的美——留白，就像作画时，故意留下一部分空白，反而使整幅画变得清新，韵味更加浓厚一样；就像一篇优秀的新闻稿，首先要可以让读者过目，然后才是过心，最后是过脑一样，美，首先也应该是让人看着顺眼，亦即是应先“过眼”，然后才是过心，最后才是过脑。在我们的日常生活中，也不正是这样吗？在现在日益繁忙与紧张的现代社会中，每个人整天行色匆匆，忙忙碌碌，扎在自己手上的工作中不可自拔，却忽略了应该给自己的生活留下一点空白，留下一点闲暇，让自己有时间思考一下自己的现在，自己的未来，让自己放慢脚步，欣赏一下路途上的风景。结果，高强度的工作压力下，只会让自己越压越重，而一时看不开走上了自取灭亡的不归路。像近年来频繁出现的自杀的大学生，博士生等等。保持住人间的诗意和生命的憧憬，给自己的生活留下一点点空白，让自己不要丧失对未来的憧憬与对生命的热爱，这是生活之道，也是让自己活的更“美”的方法。

　　《美学散步》，他的美丽与温柔引发了我种种的思考，让我感受到了生命中，生活中，艺术中，美的存在，让我知道应该如何去寻找美，感受美。书中言：“艺术的境界，既使心灵和宇宙净化，又使心灵和宇宙深化，使人超脱的胸襟里体味到宇宙的深境。”是的，在这温暖的漫步中，我感受到了心灵的平静，感受到了心灵的充实，感受到了在“美”中蕴含着的哲学的洗涤。

　　 篇二：美学散步读书笔记

　　《美学散步》是宗白华先生的代表作，也是他生前惟一一部结集出版的美学著作。一般的美学著作总是艰深、晦涩、术语多，但这本书却用诗一般的语言写出了中国美学的精髓。就像书名一样，这本书用散步的感觉美学，文字清新淡雅。

　　《美学散步》是宗白华先生自己从他解放前后的三十多篇美学论文中精选出来的文集。文集主要分二个部分：其一，主要是总论的谈美的问题和文艺中的空灵与充实；其二，主要是以西方美学思想的营养，体味中国的艺术精神、特别是庄子的散文、魏晋的人格美以及中国诗、书、画、音乐的艺术意境；其三，主要是对外国美学家和艺术家的评论以及诗歌方面的专论。

　　作者用他的这种一以贯之的看法引导我们去欣赏中国的诗歌、绘画、音乐，尤其是中国的书法。中国人哀乐的情感能在书法里表现出来，像在诗歌、音乐里那样。别的民族写字还没有能达到这种境地的。作者认为，写西方美术史，往往拿西方各时代建筑风格的变化来贯串，中国建筑风格的变迁不大，不能用来区别各时代绘画雕塑风格的变迁。而书法却自殷代以来，风格的变迁很显著，可以代替建筑在西方美术史中的地位，凭借它来窥探各个时代艺术的特征。

　　一个人看到的景色是否美好，多半和此人得心境由关，也可以说景色的美否是由心来决定的。心也会限制视野，但同时，洗涤、净化过的心灵也会因为心境的提升而看到更美、各广阔的世界。我们从外界的事物上学习加深对世界的理解，对美的感悟，从而在再次面对着世界时能了解地更深，看地更透彻。生命就是美。某一事物是否是美的，那是人的一个主观判别，不是属于事物的属性。美永远是主观世界里特有的产物。因此，我们也不能说美是什么，只能说什么是美的；也可以说，美不在于物的本身，而在于物给人的感受。生命带来了美，有生命的地方就必然存在着美。

　　读宗先生的《美学散步》，感到扑面而来的生命气息，是生命的节奏和对人生的关怀。就像刘小枫总结的：“作为美学家，宗白华的基本立场是探寻使人生的生活成为艺术品似的创造……在宗白华那里，艺术问题首先是人生问题，艺术是一种人生观，‘艺术式的人生'才是有价值、有意义的人生。”

　　《美学散步》中每篇文章皆是珍奇的宝石，折射着理性与感性的光辉，或论诗与书法，或论音乐与舞蹈，或论建筑与雕塑，乃至代表着整个宇宙之美的事物，“愿每个心灵丰沛的人都能读一读她”。

　　 篇三：美学散步读书笔记

　　任何一个爱美的中国人，任何一个热爱中国艺术的人，都应该读这部书——《美学散步》。

　　在现代中国美学史上，有两位泰山北斗式的人物，朱光潜与宗白华。两人年岁相仿，是同时代人，都是学贯中西、造诣极高的，但朱光潜著述甚多，宗白华却极少写作；朱光潜的文章和思维方式是推理的，宗白华却是抒情的；朱光潜偏于文学，宗白华偏于艺术；朱光潜更是近代的，西方的，科学的；宗白华更是古典的，中国的，艺术的；朱光潜是学者，宗白华是诗人。这部书是宗白华美学论文的第一次结集出版。宗白华是五四新文化大潮冲出的新一代学人，早年曾留学欧洲，足迹踏及艺术之都巴黎。20年代他出版过诗集，他本来是个诗人。青年时期对生命活力的倾慕赞美，对宇宙人生的哲理沉思，一直伴他前行，也构成了他美学篇章的特色。这个集子里的文章，最早写于1920年，最晚作于1979年，实在是宗白华一生关于艺术论述的较为详备的文集。

　　他没有构建什么美学体系，只是教我们如何欣赏艺术作品，教我们如何建立一种审美的态度，直至形成艺术的人格。而这正是中国艺术美的精神所在。宗白华曾在《蒙娜丽莎》原作前默坐领略了一小时，他常常兴致勃勃地参观国内的各种艺术品展览会，即使高龄仍不辞劳苦。他更是一位欣赏家。集子里这些文章相当准确地把握住了那属于艺术本质的东西，特别是有关中国艺术的特征。

　　因此，阅读这部书本身，就是一种艺术的享受，作者用抒情化的语言引领我们进行艺术的欣赏，书名叫《美学散步》，我们且到这个大花园里走走，看作者给我们营造了怎样的亭台楼榭、花树池石。

　　艺术欣赏就是对美的发现与感悟，那么美在哪里呢？美就在你自己心里。画家诗人创造的美，就是他们的心灵创造的意象，独辟的灵境，那么什么是意境呢？作者给我们分析到，人与世界接触，因关系层次不同，可有五种境界：

　　（1）为满足生理的物质的需要，而有功利境界；

　　（2）因人群共存互爱的关系，而有伦理境界；

　　（3）因人群组合互制的关系，而有政治境界；

　　（4）因究研物理，追求智慧，而有学术境界；

　　（5）因欲返本归真，冥合天人，而有宗教境界。

　　功利境界主于利，伦理境界主于爱，政治境界主于权，学术境界主于真，宗教境界主于神。但界乎后二者的中间，以宇宙人生的具体为对象，赏玩它的色相、秩序、节奏、和谐，借以窥见自我的最深心灵的反映；化实景而为虚境，创形象而为象征，使人类最高的心灵具体化、肉身化，这就是“艺术境界”。艺术境界主于美。

　　所以一切美的光是来自心灵的源泉，没有心灵的折射是无所谓美的。所以说一片自然风景是一个心灵的境界。意境是情与景的结晶品。所以中国艺术家不满足于纯客观的机械式的模写，而总是要在对对象的反映中折射出人格的高尚格调。静穆的观照和飞跃的生命构成艺术的两元。于是，中国艺术意境的创成，即须得屈原的缠绵悱恻，又须得庄子的超旷空灵。缠绵悱恻，才能一往情深，深入万物的核心，所谓“得其环中”。超旷空灵，才能为镜中花，水中月，羚羊挂角，无迹可寻，所谓“超以象外”。色即是空，空即是色，色不异空，空不异色。这不但是盛唐人的诗境，也是宋元人的画境。“以追光蹑影之笔，写通天尽人之怀”，这两句话表出了中国艺术的最后理想和最高成就。唐宋的诗词、宋元的绘画莫不如此。中国那些最伟大的艺术品的境界，都植根于一个活跃的、至动的而有韵律的心灵。

　　作者用他的这种一以贯之的看法引导我们去欣赏中国的诗歌、绘画、音乐，尤其是中国的书法。中国人哀乐的情感能在书法里表现出来，像在诗歌、音乐里那样。别的民族写字还没有能达到这种境地的。作者认为，写西方美术史，往往拿西方各时代建筑风格的变化来贯串，中国建筑风格的变迁不大，不能用来区别各时代绘画雕塑风格的变迁。而书法却自殷代以来，风格的变迁很显著，可以代替建筑在西方美术史中的地位，凭借它来窥探各个时代艺术的特征。

　　看完一本名著后，相信大家一定领会了不少东西，不能光会读哦，写一篇读后感吧。那么我们该怎么去写读后感呢？以下是我为大家整理的希利尔讲艺术史小学读后感500字，欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。

　　希利尔讲艺术史小学读后感500字 篇1

　　每个孩子天生都是一个艺术家，他用最通俗易懂的语言，描绘出艺术最平易近人的面孔。

　　这本书分为：绘画篇、建筑篇、雕塑篇三大部分。刚开始走进这本书的时候，我习惯性地翻了一下目录，不知是因为自己本身就热爱绘画的原因，还是因为这里面的每一章节的名字都很有吸引力，我一眼就喜欢上了为首的绘画篇，所以开始捧起书津津有味的读了起来。

　　这个世界上最早的图画是什么呢？远古时期的艺术—壁画。那时，浑身毛茸茸的原始人居然也有画画的冲动。虽然没有笔墨纸砚，但原始人充分利用了硕大的岩壁与动物的骨骼来作画，甚至还自创了颜料。可见他们的智慧也是不容小觑的，更反映出了艺术的魅力。原始人的作品留在了洞窑的石壁或者洞顶上，经历了数万年岁月的磨砺和淘洗，让人们窥见在那段遥远而朴素的历史中绽放出的艺术之花。随着时代的变迁，有越来越多的名画家与名画问世。至今，人们再次回首那些灿烂的艺术文化时，是否也能体会出这画中饱含的情感呢？

　　建筑篇，毫无疑问是介绍美丽的房子。房子也有年龄，会随着时光的流逝苍老。经过一年又一年的风吹雨打、日晒冰冻，斑驳的青苔像一条小蛇爬上了围墙，挂满尘埃的蜘蛛网藏在梁木之间的角落，但是久居其中的主人对老房子的感情却会越来越深。这世界上最古老的房子—金字塔，居然是给死人住的，但它拥有坚固的外壳，不倒的坚韧精神，也许它会让死者再一次感受到家的温暖。

　　雕塑篇，可能已经把当时的艺术推向了最高潮。令我印象深刻的一个雕塑家是米开朗基罗，他的代表作品是《大卫》，这一作品问世后，反应激烈。大卫因此被堪称为“意大利最完美的男人”。每一个雕塑家都拥有一把神奇的雕塑刀，这把雕塑刀会雕刻出一个个与众不同的作品，同时我也希望雕刻家用手中这把刀雕刻出一个完美的人生。

　　艺术是史永无止境的，不管是过去，现在，还是未来。我们追求艺术的脚步永远都不会停下。艺术史智慧与美的结晶，是在汗水的浇灌下结出的果实，带给人们的是视觉上震撼与心灵上的享受。

　　愿艺术，像太阳一样高悬在天空，用灿烂的光辉照亮人们的生活，照亮崭新的明天。

　　希利尔讲艺术史小学读后感500字 篇2

　　你一定参观过艺术馆或博物馆吧，我们被展品的精美绝仑赞叹不已，但你有停下脚步仔细研究这个物品作者、来历、创作背景、历史变迁？？既使听讲解的解说，也几乎是浮光掠影，当我们这些门外汉走向下一个展品时，上个展品的浮光也没了，只剩掠影了。

　　那为什么我们还很乐意参观各种艺术馆和博物馆呢？

　　答案很简单，那就是“美的事物人人都向往”。

　　2021年开篇选的第一本书竟然与艺术相关，美国作家希利尔的著作《希利尔讲艺术史》，这本书是希利尔写给青少年的系列丛书中一本。去年很认真看完了讲世界史，而艺术史这本书看得就有些“随意”，如同逛艺术馆。

　　本书分为绘画、雕塑、建筑三个部分，作者通过对名家名作，介绍各种派系的特点和产生背景，以及各位创作大家们的一些小故事。当然，如果你很有心，还会了解到某些历史发展和演变。

　　说实话，虽然本书已读完，但对于这些名家大作也只是廖廖一过，更别说能够什么哥特式、巴洛克式、文艺复兴等等艺术派别的作品，但从这些作品背后，你多少可以窥视到艺术家的性格，甚至经历，这是很有趣的。

　　这些艺术家们都具有与大众不同的思想、脾气和嗜好，比如梵高、安迪。沃霍尔等等。

　　当我们还是个上幼儿园的小屁孩时，就用黏土捏过一个鸟窝，里面有圆溜溜的蛋，一只鸟蹲在上面孵蛋。这类小玩意儿可能你也做过。其实那就是艺术，只不过我们当时并不知道。

　　不管我们知道的艺术有多么高深，但艺术确实无处不在，所以了解下她，也是很棒的一件事情。

　　希利尔讲艺术史小学读后感500字 篇3

　　这个国庆节我了解了许多世界名作和艺术家，不过，我不是去巴黎的卢浮宫或其他博物馆哦!我只是看了一本《希利尔讲艺术史》。其中有三位艺术家令我印象深刻。

　　第一位是著名画家达·芬奇。他最著名的作品《蒙娜丽莎》是给一个名叫蒙娜丽莎的公爵夫人画的肖像。夫人那带着浅浅的微笑的脸上又有一种让人捉摸不定的神情，仿佛看到了一样让她十分欣慰的作品。达·芬奇不仅是艺术史上第一个懂得运用明暗手法的画家，而且他还能让画中的人物看起来十分饱满，一点也不像硬纸板上画出来的人物扁平。达·芬奇之所以能把人物画得这么逼真，最主要的是因为他懂得如何运用阴影和光线以及如何处理光明部分到阴影部分的过渡。虽然他的作品不多，但一点也不影响他在艺术史上的地位。

　　命运最悲惨的要数法国画家凡·高了，他最了不起的地方是他能用硬梆梆的油画笔画出柔软的线条，他的画总是色彩艳丽却又在同一个色调，看起来十分协调。

　　我最崇拜的艺术家要数米开朗基罗了。米开朗基罗一旦着手去做一件事，他总能克服一切困难完成它。比如有一位教皇请他在西斯廷礼拜堂的穹顶绘画，作为一名雕塑家，他拒绝了教皇。但是因为嫉妒他的人开始传播谣言，米开朗基罗决定用真实的绘画水平让这些谣言不攻自破。可是当他真正画起来时才发现在巨大的穹顶上绘画有多么困难：躺在脚手架的顶部只能看见一小片，根本无法建立画面的整体观，而且当他在头顶上绘画时，画笔上的颜料总是滴得他满头满脸。

　　因为其他画师的绘画水平远不能让米开朗基罗满意，他辞退了所有画师，独自一人花了整整四年的时间完成了这项艰巨而繁冗的创作。米开朗基罗留给后人的不仅是西斯廷教堂绚丽多彩的穹顶和很多杰出的雕塑作品，还有一种伟大的精神：一旦着手去做了，就要坚持下去。

　　读完这本书，我才发现自己了解的艺术作品并不是很多。书中讲述的艺术家们一个个生动有趣的故事和一段段悲惨凄凉的个人经历，使我回味无穷。

　　希利尔讲艺术史小学读后感500字 篇4

　　收到《希利尔儿童艺术史》的时候真是给了我惊喜，超厚的`一本书，其实现在也没有读完，虽然里面很多情节和画家读过去了可能也就忘了，但对我来说启蒙的作用是有的。这本书把画、建筑、雕塑分开来说，在建筑部分比前者内容更丰富。真的非常的庆幸乐乐能有这样的书看。

　　一开始我还在纠结，这样厚厚的一本离孩子生活不太接近的书，会吸引孩子吗?打开书，读上后，我就发现我的担心是多余的，这本书从壁画开始，讲古埃及画像遵循的是“正面侧身像”，人的眼睛和双肩是正面，脸和身体却是侧面。

　　古埃及画大部分是插图，画的都是各种故事。他们将远处的人和近处的人画得一样大，为了区分，就只好画在前边人的上面代表。非常容易的就吸引了孩子的目光。每幅创作背后都是有小故事的，这个小故事有幽默的，有感人的，连乐妈都是非常的感兴趣。这本书既使不读文字，孩子也是超爱，因为里面有非常多的图画，包括壁画，建筑，雕塑。

　　《艺术史》首先告诉孩子，他们从来就是艺术的参预者，他们随手的涂鸦，制作都是艺术。艺术的大门本来宽敞无比。知识的多少，有意无意间，总会慢慢多起来，重要的是有框架，慢慢会有血有肉。我要把世界史和地理也在凑齐，希望可以孩子更多的见识。

　　希利尔讲艺术史小学读后感500字 篇5

　　在今年的寒假，我读了《希利尔讲世界史》这本书，其中的《穴居的人们》和《火!火!火!》给我留下了深刻的印象。因为这两个故事告诉我们古时候的人是怎样生活的。这些古人非常聪明，为了生活开始用石头制造箭、矛、斧头这些武器来捕食猎物。但是他们也很辛苦，当时没有什么熟食，只能靠捕获回来的野兽生着吃;也没有用丝绸织的衣服可以穿，只有薄薄的兽皮。钻木取火是古代劳动人民智慧的结晶，也是现代生活必不可少的。

　　希利尔用编年史的讲述方式：他看重历史事件和历史人物，行文中渗透历史年代的概念，让我们了解时代全貌、认识历史全景。书中所倡导时间楼梯、人名重复、随文发问等方式，别开生面，有助于我们对历史的有效认知和思考。希利尔的讲述新颖有趣，令人有身临其境之感。读过这本书，我们心中便有了一幅历史地图，一架时间楼梯，站在此刻，回顾漫长岁月中曾经有过的人和故事，这会对世界历史有一个切近明晰的了解。

　　希利尔讲述历史，生动如见。他要通过精彩的历史故事，激发我们对知识的渴望，引导我们去孜孜不倦地追求更美好的事物，并将文化和真知灼见注入我们的灵魂。这本书中，希利尔带给我们从远古到二战结束期间的世界历史。作者要让我们了解历史上的重大事件和伟人，知晓其存在的年代，探究其背后的历史规律，从而开阔眼界、启迪心智、引发思考。

　　看完这本书，我那封闭的小世界突然开阔，还了解了，来到这世界之前就已存在的事物，为以后系统的学习打下基础。我相信，以后要学的历史和地理是我非常感兴趣的学科。

　　希利尔讲艺术史小学读后感500字 篇6

　　趁着假期，我读了一本好书——《希利尔讲艺术史》。

　　这本书的作者是希利尔，希利尔是美国杰出的教育家，毕业于哈佛大学。毕业后从事中小学教育，酷爱历史和艺术，喜欢旅行。他痛感传统教科书的枯燥无味，立志为孩子编写一套读起来兴趣盎然的历史、地理和艺术读物。

　　这本书讲述的是世界艺术史，分为绘画、雕塑和建筑三部分。作者不是简单介绍那些赫赫有名的艺术家和他们流传千古的作品，百是通过一个个生活中的小故事，讲述作品诞生的过程——伟大艺术品和伟大的艺术家皆有赖于专注力、热情、天赋和机会，他们背后是一个崇拜艺术、欣赏美的时代。

　　不知为什么，我特别喜欢绘画部分，可能是因为在学校里我画画还不赖的原故吧。在这里展出的画是我从来没有见过的，我了解到了古埃及和其他时期的人是怎样作画的，有的是油画，有的是板画，古埃及人甚至直接在墙壁上或者房顶上刻画，多么伟大的艺术!以前我以为自己的画也可以算美，可是读了这一本书，看了这些著名画家的作品之后，我的画简直是微不足道。为了更加深刻了解绘画，我还亲自去美术博物馆观赏，我突然觉得画是多么深奥和美妙。

　　我是第一次接触这一类的书籍，以前我觉得这种书枯燥乏味，不过这一次读，我就喜欢上了这本书，因为这本书让我真正地学到了知识，真正地使我成长!